Un huracán de guitarras sostiene al estruendo de la base rítmica. Esto era “Nowhere”, el álbum que permitió a Ride pasar a la posteridad como una banda con personalidad propia, pariente del shoegazing pero no adscrita a él. Una escucha superficial puede confundir a la banda de Oxford con unos aventajados aprendices de My Bloddy Valentine, pero la realidad es muy distinta ya que las virtudes hacían enfasis en la base rítmica y las melodías cercanas al pop(los miembros de la banda son unos reconocidos fans de The Smiths). Una marea de emociones se avecina desde la portada del disco que es una ventana hacia lo épico, y que además representa una de las dos cumbres de un movimiento que se caracterizó tanto por su intensidad como por su brevedad de vida. “Nowhere” es un álbum que describe parte de la grandeza del indie rock de los primeros 90's,y un ejemplo claro de las posibilidades de la música cuando no se cierra a nuevas formas expresivas.

Boxcutter(el alías que esconde a Barry Lynn)lleva desde hace un tiempo tratando de imponer una marca que lo identifique dentro de la electrónica contemporánea. Siempre desde una perspectiva abierta, experimental, Boxcutter ha intentado hacer uso de diversos recursos: el dubstep, los estilos nacidos de la urbe británica como el grime o el garage, y todo lo que pudiera digerir con la única finalidad de crear nuevos mundos. En su nuevo álbum, " The Dissolve" , hace gala de la variada paleta de sonidos con los que acostumbra trabajar, los que inserta en un espacio de características irregulares, en donde las melodías y los ritmos se quiebran en un determinado momento para permitir el nacimiento de nuevas características sonoras. Al final podemos encontrar un disco que posee muchas dimensiones, con canciones con identidad propia, de un artista que pide merecidamente tener un mayor protagonismo dentro del mundo de la electrónica independiente.

Desde la portada, “It’s a True”, el nuevo disco del dúo canadiense Junior Boys, adelanta sus intenciones. Una foto hecha por la hermana de Jeremy Greenspan (voz y cerebro del dúo) al UK Pavillion de Shangai, anuncia el carácter abstracto del álbum. Bueno, a diferencia de su anterior álbum, “Begone Dull Care”, estamos ante un disco menos atmósferico, con formas mucho más definidas(aunque sin patrones definidos en la manera en que se enlazan dichos elementos en cada canción ), en donde la ecuación de minimalismo, soul, y pop se enlazan mostrando la capacidad del dúo para crear canciones que perduran en el recuerdo. Se cuenta que el disco fue escrito por Greenspan durante una estancia en China, lugar exótico que de alguna forma se hace presente en algunas canciones através de instrumentos propios del lugar, grabados por músicos de la localidad. Y como si fuera poco está “Banana Ripple”, potencial hit que cierra con euforia otro gran disco del dúo de Ontario, que confirma su lugar de privilegio en la escena del electro indie.

El nuevo disco de Gang Gang Dance es una buena muestra de lo que es un buen collage de géneros. El quinto álbum de la banda, “Eye Contact”, bebe de diversas fuentes, teniendo como resultado un disco de pop, de esos raritos pero pop al fin y al cabo.No solo encontramos melodías digeribles, sino que además éstas se mezclan con ritmos exóticos, provenientes de Africa o Asia, los que se encargan de realzar la belleza de las melodías, sintetizando la riqueza de los detalles. La voz de Lizzi Bougatso agudiza el exotismo producido por la experimentación sonora, navegando por un tempo ajeno a las canciones pop de Occidente. Alexis Taylor, miembro de Hot Chip, colabora en este disco, aportando una arista más de belleza y encanto a un álbum que resume no solo los diversos sonidos que nos puede ofrecer el mundo, sino que además nos sumerge en una atmósfera donde los sonidos, por más diversos que puedan ser, se funden en uno solo trayendo como resultado una sensación concreta: la emoción.

El poder de la música tiene inalcanzables virtudes, ajenas a la literalidad de las palabras. La emoción desborda los significados y por ello podemos sentir un mar de sensaciones cuando nos entregamos a la música. Una muestra de esta realidad es el álbum debut de Ema (ex integrante de Gowns),"Past Life Martyred Saintsque", que desde una primera escucha atrapa, emociona y conmueve. Y todo esto a pesar de no entender lo que dice,aunque eso es justamente a lo que me refiero con el poder de la música. Luego, al entender los textos, se confirma la vena dramática del disco en donde los dolores del alma se hacen visibles en los desgarros del cuerpo. Es un disco musicalmente austero, donde no hay excesos en los arreglos, solo lo necesario en favor de la emoción, sin escalas en lo innecesario. Para muchos es uno de los mejores discos en lo que va del año. Creo que no se equivocan.

La promoción del cuarto álbum de Art Brut viene precedida de la información de que Black Francis(o Frank Black si lo desean), leyenda y lider de los Pixies (gran admirador de la banda inglesa)ha producido su cuarto álbum, Brillant!Tragic!, como también sucedió con su disco anterior, Art Brut vs Satan!. La fijación de la banda por las historias cotidianas se ve en su nueva entrega enmarcadas dentro de un sonido mas compacto, con una tendencia menos punk aunque igual de arty. A pesar de seguir sonando igual de intensos, las canciones suenan mas trabajadas que en sus anteriores entregas, con un uso menos no-profesional de los instrumentos, y con mas recursos en la composición. Incluso la voz de Eddie Argos suena con mas posibilidades expresivas. En resumen, el nuevo disco de Art Brut los pone en una situación inmejorable para por fin establecerse como una banda a tomarse seriamente, y no solo la anécdota talentosa(etiqueta insinuada por la prensa especializada). Discazo!

Wild Beast ha entregado un tercer álbum que no solo está bien, sino que también
los muestra en pleno estado de madurez. La voz en falsetto de Hayden Thorpe nos
recuerda a los alaridos dramáticos de Jeff Buckley o a la voz de ángel de Antony
Hegarty. Al instrumento natural de Thorpe lo envuelve una música pausada,
atmosférica, con una percusión que le otorga cierto caos a cada canción, las que
también se caracterizan por no tener un patrón establecido; Se conoce el inicio
pero no ser avizora ni el camino ni el fin de cada aventura. A la creación de
dicha atmósfera colabora los sintetizadores con esos pequeños pero
significativos trazos, y la delicada telaraña confeccionada desde las guitarras.
Un disco que nos permite reconocer, de manera consciente, la naturaleza del
ensueño.

Austra es un proyecto canadiense cuyos referentes musicales se ubican en la primera mitad de los años 80´s, para ser exactos, en el apogeo del synth pop. La principal responsable de dicho proyecto es Katie Stelmanis, poseedora de una voz gótica que otorga gravedad a las ya de por sí texturas opacas. La melancolía es la primera sensación que se me ocurre si me piden describir con una sola palabra a “Feel It Break” , álbum debut del trío canadiense, trabajo que los pone relativamente cerca a nombres ya constituidos como The Knife. La teatralidad de la música de Austra es su signo de identidad, y la oscuridad de sus matices aquello que les abre la puerta hacia el misterio.

A pesar de que son odiados por algunos, The Smiths es una banda clásica del pop contemporáneo desde el dIa en que salió a la venta su primer single. Luego de algunas décadas, la banda liderada por el binomio Morrissey-Marr, ha dejado una huella tan profunda dentro de la cultura popular que hasta incluso, hace poco, se hizo mención a algunas de las canciones de los de Manchester en medio de una discusión dentro del senado británico. Se sobreentiende que la influencia que ha tenido la música de The Smiths en la vida de cada uno de sus fans, y amantes de la buena música en general, ha sido enorme. Pues bien, para hoy les tengo un recopilatorio que rinde tributo a la banda de Manchester, en donde encontraran nuevas versiones de algunas de sus canciones mAs emblemáticas.

Gavin Friday es un artista irlandés con una trayectoria que no se reduce a lo musical, razón que quizás explica el porqué ha tardado 16 años en presentar su nuevo trabajo. “Catholic” es un álbum de fino acabado pop, que se sirve de bellos arreglos para mostrar canciones oscuras que develan la complejidad de un artista que viene saliendo de un periodo negro,el que lo devuelve a la vida con rasguños profundos. La tensión es la constante a lo largo del disco, sin importar el registro que presente cada canción, desnudando cada reflexión . Un gran disco, un gran regreso.

Luego de un inusitado éxito con su álbum debut, Fleet Foxes tenía la difícil misión de superarlo o al menos igualarlo. Para este año entregan “Helplessness Blues”, trabajo que no solo supera a su predecesor, sino que además los descubre maduros, con canciones que traspasan los limites de un sonido en principio determinado por su geografía, consolidándose con un estilo que descubre un espíritu universal. Ya no solo son los cantos pastoriles que nos transportaban a una cabaña inmersa en las montañas silvestres propiedad de la América profunda. Las canciones poseen más cuerpo que en su disco anterior, atreviéndose con todo tipo de instrumentos de cuerda y percusión,que permiten a las canciones alcanzar una naturaleza más corpórea. Sin duda, Fleet Foxes es, en la actualidad, la banda que mejor describe la riqueza estadounidense y con este álbum, tan introspectivo como él solo, refleja mucho de nosotros mismos.

La mayoría de veces la aproximación del oyente a cualquier partícula sonora mínima se convierte en una tarea exigente, y eso porque la abstracción que pretende el músico de turno es una invitación a participar en la creación de la canción. Sin el oyente la música no serviría de nada. Pues bien, Isolée, músico alemán de reconocida trayectoria, entrega un nuevo disco luego de ausentarse por poco más de un lustro. “Well Spent Youth”es un álbum que combina la electrónica de laboratorio (diseccionando sonidos para luego mezclarlos con disonancias y distorsiones) con ritmos apropiados para la pista de baile. El disco es un paseo por una colección de canciones que agradan a la primera, y que se enganchan a uno no de forma despiadada, sino más bien como un torrente continuo que termina gustando. Sin facilismos, el disco es una virtud sin fisuras, en donde Rajko Muller muestra nuevamente el por qué es considerado uno de los nombres más importantes de la electrónica contemporánea.