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Neneh Cherry-Blank Project


¿Saben ustedes de esa gente que, haga lo que haga, mola más que el resto? Neneh Cherry es una de esas extrañas y privilegiadas personas. Cada uno de sus (escasos) movimientos en sus más de 20 años de carrera han sido inesperados, proféticos, y siempre rebosantes de calidad, como sus dos primeros discos, que adelantaron la mezcla de RandB, soul y funk casi diez años antes de que Lauryn Hill y Mary G. Blidge le dieran reconocimiento comercial; sus experimentales incursiones en el trip-hop con CirKus, o su rompedora colaboración con el trío de free jazz The Thing del año 2012 (The Cherry Thing). Pero aunque es cierto que no ha estado técnicamente “sin hacer na’ tirá’ en el sofá”, la autora de Buffalo Stance llevaba 18 años sin sacar un disco en solitario, y por mucho que su último disco fuera notable (el más trip-hopero Man, con temas tan bonitos como Woman o 7 Seconds, su tema junto al senegalés Youssou N’Dour), 18 años son muchos.

Blank Project (2014) no es una visita al pasado, ni mucho menos. Como es normal en una artista de casi 30 años de carrera, hay sonidos que recuerdan a cosas del pasado, sobre todo a su época con CirKus y a su colaboración con The Thing. Pero en general, Blank Project no suena para nada a revival. Suena urgente, nervioso, minimalista y bastante lo-fi, a soul bañado de música electrónica, con gotas de jazz de vez en cuando, y hecho con baterías, cajas de ritmos poco sofisticadas, sintes disonantes, y espíritu casi punk en su concepción, grabación y aire general, íntimo e inmediato (se grabó en cinco días, y se nota). Las letras son igual de incómodas e íntimas que su sonido, como si fueran páginas sueltas de su diario, donde reflexiones sobre la mortalidad y el duelo (Across The Water) o la maternidad conviven con preocupaciones más mundanas, como la falta de dinero. Todas parecen un poco raras sobre el papel, pero Neneh las vende con una mezcla de naturalidad y falta de arrogancia que hace que entren con facilidad.

Se ha hablado bastante de la colaboración de Kieran Hebden (Four Tet) en la producción, pero la verdad es que a él casi ni se le nota (al igual que a la sueca Robyn, que tiene que salir en los créditos de Out Of The Blue para que nos demos cuenta de que está en esa canción): parece que Kieran se hubiera limitado a encender los micrófonos, aportar alguna caja de ritmos sabia de vez en cuando (como la que preside las estrofas del funk líquido y sensual de Naked, o la que acompaña a la primera mitad de Everything, el cierre del disco), y no mucho más. Seguro que esto no es cierto, y que Kieran es tan responsable del sonido del disco como el resto, pero al escuchar Blank Project parece que los únicos en la habitación son Neneh, el duo RocketNumberNine, que aportan las baterías y sintes que pueblan el disco, y el oyente.

Y es que, como ya he dicho antes, Blank Project es un disco muy íntimo, y tan intenso, excéntrico y cool como su autora, lleno de canciones tan seductoras como incómodas entre el soul, el funk y el pop, con un pie en las melodías inmediatas y otro en la experimentación, y que es tan vibrante que parece más propio de un debutante que de alguien que tiene casi 50 años y que lleva casi 30 en la música. Dios salve por muchos años el espíritu libre e inquieto de Neneh Cherry, y ojalá no nos haga esperar tanto tiempo antes de su nueva entrega.


Mi nota: 7.5

Mis favoritos: Across The Water, Blank Project, Naked, Dossier


Daniel Díaz.





Blank Project








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Daft Punk-Random Access Memories




Hype: tan deseable y, a la vez, tan peligroso, tan capaz de encumbrar a un artista como de dilapidarlo. El hype, en el mundo de la música electrónica, tiene un nombre, y uno solamente: Daft Punk. Con sólo tres discos en más de quince años de carrera (cuatro si contamos la banda sonora de Tron: Legacy), el dúo francés es mucho más que una entidad musical: no hay nada que hable más claramente de su éxito e influencia como la cantidad de gente surgida en los últimos 10 años de la que se ha dicho que "suena a Daft Punk". Y, como si la sola mención de material nuevo suyo no fuera suficiente, la campaña de publicidad que precedió a su cuarto (o quinto, según se quiera ver) disco fue abrumadora. ¡Nile Rodgers! ¡Pharrell! ¡Giorgio Moroder! ¡Funk! ¡Años 70! En un año de anti-campañas publicitarias y lanzamientos ninjas, Daft Punk se marcaron una campaña publicitaria de las que ya casi no se ven, impecable en su desarrollo, movimientos y dosificación de la información musical, y que sólo Arcade Fire, con bastante menos precisión, se atrevería a emular este año. Toda ella, apoyada en su espectacular single de presentación, empujaba a pensar que este iba a ser su disco de homenaje al funk y a la música disco. ¿Fue así al final?

Pues... no del todo. De la misma manera que Homework no era solamente un homenaje al house ochentero, Random Access Memories tiene algo de funk, pero no es exclusivamente un disco de Chic hecho con equipamiento moderno. Además, hay bastante soul (la cuarta parte del disco son baladas sensuales cantadas a vocoder), rock progresivo, algo de musical setentero, pop electrónico e incluso un poco de techno machacón a la vieja usanza para el final, resultando el conjunto final como una especie de musical disco-soul-progresivo-setentero, si eso puede tener sentido. Pero sobre todo, Random Access Memories es un homenaje al poder del elemento analógico y humano en la música de baile, algo que, en un tiempo en el que la música de éxito es cada vez más robótica, aburrida, falta de ideas y deshumanizada, no es sólo necesario, sino que se convierte en un manifiesto para muchos de nosotros, una proclama que, para más ironías de la vida, ha tenido que ser hecha por dos tipos que en todos sus conciertos se disfrazan de robots, y que gustan de usar algo tan deshumanizador como el vocoder. Dos tipos, eso sí, que han podido disponer de todo el tiempo, dinero y colaboraciones estrella que han creído necesario, lo cual, unido a su ya demostrada pericia tras la mesa de mezclas, se nota, y mucho: este es el disco mejor producido no sólo del año, sino posiblemente de los últimos diez años. Ponerse este disco con cascos y percibir todos los sonidos tan perfectamente posicionados que se suceden es un placer de un calibre peligroso.

Como decíamos antes, hay muchas, pero que muchas colaboraciones, y algunas de ellas bastante conocidas. Hablemos primero de los temas que no las tienen: entre ellos destacan sobre todo Contact, un poderoso cierre que recuerda a la gente que Daft Punk son, sobre todo, maestros del house machacón; y la hipnótica Motherboard, uno de los momentos más seductores y estimulantes del disco, y que recuerda a un clásico perdido de algún grupo de rock progresivo casi olvidado (a mí me recuerda a ratos a Tangerine Dream). Del resto,The Game Of Love, Within, Beyond y Fragments Of Time (de nuevo con Todd Edwards) son puro Daft Punk en modo balada funky-soul a lo Something About Us. Within es bonita, pero el resto no me dice mucho, y me refuerza la idea  que los discos de Daft Punk casi siempre son tremendamente irregulares.

En el terreno de las colaboraciones conocidas, la que más brilla es la del incombustible Nile Rodgers
,que le regala al duo francés tres de los mejores riffs que ha hecho en años para los tres temas más puramente funkies del disco (Give Life Back To Music, Lose Yourself To Dance y el ya clásico atemporal Get Lucky), dos de ellos cantados por Pharell. Panda Bear se deja ver en uno de los cortes más polarizantes del disco (yo no lo aguanto, a mucha otra gente le encanta), Doin' It Right; y Julian Casablancas con vocoder canta la muy synth-popera Instant Crush. He dejado a Paul Williams y Giorgio Moroder para el final porque sus dos momentos merecen comentario más amplio. Touch, la colaboración con Paul Williams, y la pieza central tanto en posición como en importancia del disco, es un musical entero comprimido en ocho minutos, que empieza de manera atmosférica, y termina saltando de la música disco (con piano muy ragtime) a Andrew Lloyd Webber (con coro de voces blancas y todo), para terminar con el piano y la voz de Paul Williams de nuevo. Dentro de un disco bastante experimental, este es el experimento más arriesgado de todos, y el hecho de que el duo francés transforme algo que en papel suena a aberración musical en un tema imperfecto, pero fascinante, habla tanto de su pericia como de la pasión de todos los implicados en la pieza, empezando por el propio Paul, que ofrece una de las mejores interpretaciones vocales que se le recuerdan en años.

Giorgio By Moroder, el homenaje del dúo francés al mítico músico italiano, merece un párrafo propio. Más sencilla en estructura que Touch, se divide en dos mitades: en la primera Giorgio relata algunas de sus experiencias a modo de libro de autoayuda, y tiene un arreglo más sintético (uno de los pocos momentos del disco en los cuales hay un beat programado) que suena a puro Moroder, propulsado por el elemento central de todo el tema, un sinte burbujeante e hipnótico que hace justicia a las mejores lineas melódicas del maestro. Pero siendo disfrutable, es en la segunda mitad cuando el tema explota del todo: entran cuerdas, se va el beat programado, y es sustituido por la mejor sección rítmica que oirán en este año, con dos leyendas como JR Robinson y Nathan East haciendo virtuosa magia, y transformando la sección rítmica en un explosivo cruce entre jazz y drum 'n' bass épico y apasionante. Se incorpora un DJ haciendo scratching a la sección rítmica, y el juego entre ellos tres (el mejor momento del disco) va subiendo de intensidad hasta que una guitarra eléctrica sangrante se incorpora haciendo estragos justo al final, transformando el tema en rock de alta intensidad en el minuto de música más épico creado este año. Giorgio By Moroder es tan extenuante como excitante, épica, compleja y a la vez disfrutable de la manera más primaria y sencilla imaginable, y está entre los cinco mejores temas no sólo del año, sino de la carrera de Daft Punk, siendo el homenaje perfecto a uno de los músicos más importantes e influyentes de los últimos cincuenta años.

Y con todo, como sucede en toda la discografía de Daft Punk (salvo Homework que me parece perfecto de principio a fin), Random Access Memories me parece en conjunto un disco muy irregular, con temas tan grandiosos como Giorgio By Moroder o Get Lucky al lado de temas que me dicen tan poco como The Game Of Love, Instant Crush, Doin' It Right o Beyond. De todas maneras, es algo a lo que los fans de Daft Punk estamos más que acostumbrados, y los puntos más álgidos de este disco pertenecen desde ya al catálogo de clásicos del dúo francés, justificando por sí solos la compra a ciegas de un disco que mantiene el nivel y la leyenda de la discografía excepcional del grupo, incluyendo a Human After All, disco que defenderé hasta el final de mis días como uno de los discos más infravalorados e injustamente vapuleados por la crítica de los últimos 20 años, justo al lado de MAYA (allí hay otro debate interesante para otro momento). Y aunque no tuviera los temas legendarios que tiene, merecería la pena la compra sólo por la reivindicación del alma analógica en la música de baile, cosa que, en estos tiempos de dominio de productores y "divas" fotocopiadas (rellenen los nombres ustedes), es más necesaria y vital que nunca.

Mi nota: 7
Mis favoritas: Giorgio By Moroder, Get Lucky, Motherboard, Contact

Daniel Díaz




Random Access Memories

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Radar-MacGuffin


El dúo francés MacGuffin lanzó a inicios de septiembre un EP llamado Knife Edge,  trabajo en el que muestran diversas influencias tales como el trip hop, el pop, la canción francesa, etc, todo enmarcado en un formato cinemático. Dejemos que ellos mismos se presenten:  


"MacGuffin is a project that brings together Barbara and Damny, the unlikely encounter version "Catch me if you can! " of a young singer and a musician (formerly La Phaze) between two airport lounges.

They sign what could be the soundtrack of a film, both dark (with titles like "Knife Edge", "I Cross My Heart") and burlesque ("Apple Spy"). Barbara, a beautiful soulful voice, eyes full of suspense and the style of screen goddess Marlene Dietrich - and the mysterious character of a history tinged with nostalgia, reminding us of the authenticity of the heroines of the time.

With samples taken from old vinyl records and some powerful and classical orchestrations, MacGuffin rekindles the fire of the 90's scene of Bristol (Massive Attack, Portishead ...) by revisiting current vibes with a tribute to the 60's.  Dub, Trip Hop, Classic - a transversal journey through time that mixes instruments and machines for the first instalment of a decidedly original kind".



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Stream-Nightmares on Wax


Now Is The Time pertenece al nuevo álbum de Nightmares On Wax titulado Feelin' Good' que salió al mercado esta semana a través de WARP.


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Stream-V V Brown




The Apple pertenece al nuevo álbum de la inglesa V V Brown titulado Samson and Delilah que salió hace poco a la venta en Europa y que saldrá a inicios de octubre en Estados Unidos. VV Brown logra mezclar oscuridad y ritmo en su nuevo álbum dando como resultado un interesante híbrido que despierta expectativas.

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Stream-Janelle Monáe


El nuevo single de Janelle Monáe se titula "Dance Apocalyptic", nuevo adelanto del que será su nuevo álbum  "The Electric Lady" que saldrá al mercado a inicios de septiembre.

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Stream-The Blow Monkeys



"Feels Like A New Morning" es la canción que da título al nuevo disco de The Blow Monkeys que salió al mercado a finales del mes pasado. Los legendarios ingleses ofrecen canciones más maduras sin perder la esencia de aquella banda que interpreta de acuerdo a su perspectiva insular el soul y la música negra norteamericana.

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Curtis Mayfield-Curtis




Cuando salió al mercado “Curtis”, debut del mítico Curtis Mayfield, muchos lo compararon con el “Sgt. Pepper’s” de The Beatles por la sofisticación que poseía para su tiempo, aunque también podamos encontrar virtudes propias. Únicas. El primer trabajo que realizó el artista de Illinois sin The Impressions mostraba su madurez como compositor y productor, y con el que logró edificar un pilar dentro de la música negra norteamericana, rico en su concepto, grandioso en sus formas. Con “Curtis", la música afroamericana alcanza una de sus cumbres, ya que moldeó las formas y ritmos característicos con un acabado pop, quizás nutriéndose de las hazañas logradas por el pop de finales de los 60’s. Podemos escuchar violines, arpas, orquestaciones al completo, que enriquecían las canciones, otorgándoles mayores posibilidades expresivas. La temática se centra en los tiempos en que los derechos de los negros eran aceptados en el papel, pero todavía quedaba mucho por hacer en la práctica. Curtis muestra en el debut sus ideas, dejando en claro su compromiso social y a la vez su compromiso artístico. “Curtis”es un álbum de riqueza extraordinaria, que iluminará a la música popular por los siglos de los siglos.


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Edwyn Collins-Losing Sleep




La historia de Edwyn Collins me sigue pareciendo emocionante. Luego de sufrir dos hemorragias cerebrales en el 2005, el ex líder de Orange Juice emprende una lucha por recuperar al menos algo de su vida anterior (sufrió una parálisis total). Para este año que se va, no sólo demostró al mundo que es un ejemplo de tenacidad, recuperando muchas de sus facultades, sino incluso pudo volver a tomar una guitarra entre sus manos y componer, lo que lo llevo a subirse nuevamente a un escenario y a entregar un disco que relata la lucha por aceptar su situación y la consecuente lucha.


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Kanye West-My Beautiful Dark Twisted Fantasy




Debo decir que luego que Michael Jackson y Prince reinaran en los 80’s, mis gustos siempre se inclinaron por la música blanca. Para ser más exactos, mi gusto buscaba a los herederos-o imitadores- de la Velvet Undeground. Bueno, me refiero a que no hubo artista negro que llamara mi atención (Public Enemy fue una bofetada cuyo efecto me duró demasiado poco) ya que no se puede negar que la música negra siempre ha ejercido gran influencia en el rock, sea independiente o no. Si bien con el paso del tiempo fui descubriendo clásicos de la música negra, las figuras contemporáneas no me atraían en lo más mínimo, ya que todo se reducía a machismo barato u ostentación, en pocas palabras los tópicos del género que desde hace años domina junto al R&B las listas de venta estadounidense: el rap. Lo curioso es que el personaje que llamaría mi atención casi de la misma manera que Michael Jackson lo hizo en su día se hizo conocido desde ese mundo bañado en oro, pantalones holgados, camisetas de básquet, coches lujosos y mujeres exuberantes. Su nombre, Kanye West.


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Stevie Wonder-Innervisions




Hace algunos meses, en un foro de música, leí como un dj que suele poner discos en algunas fiestas de temática ochentera (new wave, post punk y demás hierbas) menospreciaba la música negra, y al contrario, resaltaba las virtudes de la música blanca, la de “vanguardia”. Lo que al parecer desconoce dicho señor es que mucha de la música que es de vanguardia tiene sus raíces en la música negra. Desde sus inicios, el rock y todas sus variantes han bebido, no sólo del ritmo de la música negra, sino también del espíritu de la misma en todas sus formas. Uno de esos nombres imprescindibles que nos ha regalado la música negra es Stevie Wonder, aquel artista negro que venda su ceguera con unos eternos lentes negros. No voy a negar que cuando lo escuché por primera vez lo odiaba a rabiar, sobre todo por esas baladita insustancial que fue “I Just Called To Say I Love You”. Sin embargo, luego conocería su época dorada, la de los 70’s, y es allí donde pude comprender su importancia en la música popular contemporánea.


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Hjaltalin-Terminal




Ya no es extraño tener entre manos un álbum proveniente de algún país nórdico. La escena en dichos países se ha convertido –junto a la canadiense- en una alternativa muy válida, con identidad propia y una serie de virtudes que ya no sorprende. Lo curioso es que la banda islandesa que nos ocupa hoy, Hjaltalin, mira con atención al soul norteamericano, y lo inserta en el barroquismo que caracteriza a la música de su país.


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