Nicolas Jaar lanza su álbum debut luego de unos EP’s bien acogidos por la crítica especializada. Hijo de ciudadanos chilenos radicados en Estados Unidos, el también productor entrega “Space Is Only Noise”, disco de electrónica un tanto rarita, aunque felizmente lo raro no es necesariamente sinónimo de malo. Y es que la mezcla que hace el norteamericano es un tanto surreal: jazz, techno pop, música africana, guitarras que al parecer provienen del medio oriente, IDM, etc., logrando en cada canción un mosaico de texturas que tienen como columna al ritmo, que se ralentiza en la medida que la emoción lo indique. Cada canción es una aventura distinta, cada pincelada es parte de una obra emotiva. Para muchos es el mejor disco de electrónica en lo que va del año. Creo que no se equivocan.

Atari Teenage Riot - Blood In My Eyes by mozz74


Blood In My Eyes


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Gold Panda - I Suppose I Should Say 'Thanks' Or Some Shit by mozz74


I Suppose I Should Say 'Thanks' Or Some Shit


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Lykke Li tiene una voz felina que puede llevar a la equivocación. Y es que con ella la apariencia es más que engañosa ya que puede adoptar, en sus canciones, personalidades muy distintas entre sí, y que de alguna forma nos habla del complejo mundo de la artista. Su nuevo disco “Wounded Rhymes” es un compendio de sensaciones contradictorias, que transitan desde la fragilidad hasta la autosuficiencia, y que se encuentran barnizadas por el ritmo tribal y las hermosas melodías del pop sesentero (sin dejar de lado al pop sueco). Sin embargo, a pesar de la luminosidad pop, el contraste de matices desemboca en una oscuridad que sirve de columna vertebral desde la primera hasta la última canción. No debemos olvidar la capacidad vocal de Li que cubre los más diversos registros con altura, y que hace creíble las heridas emocionales o el deseo descarnado por igual.

Los norteamericanos cuelgan en la red el Mix que utilizaron en un festival que se celebró en el Reino Unido, y en donde encontramos dos horas de música sin un referente claro,pero que nos indica por donde van los gustos de los componentes de la banda.



Mixtape


Set List:

00:00 OV (extract) – Orthrelm
01:38 “Fireworks” – Animal Collective
08:21 “Norway” – Beach House
12:23 “Credit” – Ariel Pink’s Haunted Graffiti
15:45 “House Jam (XXXChange Remix)” – Gang Gang Dance
20:12 “Heavy Water/I’d Rather Be Sleeping” – Grouper
23:00 “Cheaters” – Teengirl Fantasy
29:07 “Shina Blockas” – Big Boi feat. Gucci Mane
32:43 “Freeway” – Kurt Vile
35:15 “Up On The Sun” – Meat Puppets
39:14 “Vacuum Boogie” – Floating Points
45:17 “High Road” – Deradoorian
50:52 “Goumou” – Khaira Arby
56:06 “Oh Paris!” – Dent May & His Magnificent Ukulele
58:46 “Gentleman’s Lament” – Thinking Fellers Union Local 282
61:31 “Night Cream” – Black Dice
67:01 “Discover Your Colors” – Ear Pwr
70:13 “I’ve Got Drugs (Out Of The Mist)” – The Frogs
72:31 “Trashy Boys” – Tickley Feather
77:17 “Good Time” – Yi Yi Thant & Aung Heina
81:40 “Rookoobay” – The Brothers Unconnected
85:13 “Grim Reaper Blues (Live In Big Sur)” – The Entrance Band
92:26″ Mawak Lakhaal” – Group Doueh
95:55 “Raghupati” – Prince Rama
101:07 “How You Satisfy Me” – Spectrum
105:16 “Catch Attack” – Drawlings
109:14 “Al Anon” – Eric Copeland
113:10 “Melankolia (Edit)” – Vladislav Delay
122:01 “Four Violins (Extract)” – Tony Conrad
127:34 “Wended V – Mick Barr
135:45 “Fuck Mixing, Let’s Dance” – Zomby

Bill Callahan - Babys Breath by Mozzer


Baby's Breath


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Han pasado algunos años desde que tuve la suerte de departir con los chicos de The Dodos, chicos sencillos y simpáticos, cuando estos se encontraban promocionando por medio mundo su aclamado “Visiter”. Pues bien, luego de un álbum con tibia acogida (“Time To Die”), los chicos de San Francisco lanzan uno nuevo para este año llamado “No Color”, con el que se acercan a la esencia del “Visiter”, es decir, claridad en las cuerdas y una percusión tribal, una ecuación que origina un “ping pong” constante entre melodía y adrenalina. La complejidad no se contrapone a la claridad ya que la primera no determina las estructuras de las canciones sino tan solo el despliegue del virtuosismo de los músicos, que felizmente no se quedan en la densidad innecesaria. Al parecer The Dodos vuelven a lo suyo, a lo que mejor hacen.

Gunnar Bjerk.Electrónica.USA.


Back Then





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Al parecer el nuevo “hype” que se avecina, proveniente del Reino Unido, llega en forma ya conocida: el claroscuro ochentero. Mirrors presentan su debut luego de una inteligente campaña de marketing que resaltaba su imagen (prácticamente calcada de la que nos regalo Kraftwerk hace tres décadas) además de una inteligente revisión de sus fuentes. “Lights and Offerings” es un álbum que se alimenta de la electrónica más accesible de Kraftwerk(es evidente la influencia del “Trans Europe Express” de los alemanes), la sombra de Joy Division presente en textos que persiguen las emociones extremas, etc. Es un disco que suena afectado y al mismo tiempo bailable, capaz de mezclar texturas opacas y la luminosidad de melodías pegadizas, en pocas palabras, un álbum que rescata la esencia del mejor synthpop ochentero sin traicionar su frescura. Ya veremos en los próximos meses si este producto hecho para convertirse en el “hype” logra convertirse en tal, por lo pronto, disfrutaremos de la música.

Entre ayer y hoy he leído a los colegas blogueros que no saben que pensar acerca del último álbum de The Strokes, el cuarto de su ya no tan corta trayectoria. Bueno, si bien su debut, “Is This It?”, fue considerado el primer hito de la década que pasó, los álbumes que le siguieron no colmaron las expectativas, salvo por algunos hits que recordaron al periodo en que parecía se comerían el mundo. Pues bueno, el nuevo “Angles” es un poco más de lo mismo: las mismas ganas, las mismas formulas. Si bien la energía característica se mantiene casi intacta, los matices son más amplios, saliéndose de ese “sonido Strokes” que los ataba, aunque no por ello se alejan demasiado de su formato base, el que ya le conocemos de sobra. El sonido es más limpio, más pop, lo que parece una declaración de intenciones (traspasar el umbral indie) que quizá no guste a los fans más acérrimos. Transitan por la música de los 80’s, por la angulosidad de las guitarras, por ligeros apuntes cortesía de la electrónica, en fin, por una serie de detalles que multiplican sus posibilidades. Pues bien, mi conclusión es que si bien es un álbum entretenido y disfrutable, no creo que The Strokes logre en el futuro algo más que recordarnos la gran promesa que alguna vez fueron. No se rompan la cabeza colegas, seguiremos recibiendo buenos discos de esta banda, pero olvídense, nunca llegará EL DISCO.

El tiempo deshoja calendarios con la facilidad que le da su potestad. Han pasado veinticinco años desde que The Smiths publicara “The Queen Is Dead”, álbum que le significó a la banda de Manchester su incuestionable lugar en la historia de la cultura popular. El álbum es el reflejo de un momento concreto de la historia del Reino Unido, etapa marcada por el inescrupuloso gobierno de Margaret Thatcher. Si bien The Smiths ya había dejado una huella profunda en la cultura popular inglesa gracias a 2 álbumes y un recopilatorio, es con el tercer álbum que alcanzan plasmar todas sus ideas, trascendiendo el plano estrictamente musical. Y es que el álbum desvela su posición política, la ironía, la agudeza, el romanticismo, su total independencia, un resumen sucinto de la historia del rock y el pop a través de la guitarra de Johnny Marr, ecos de la cultura visual(la vulnerabilidad de Alain Delon en la portada indica la fragilidad por donde se iba a transitar con cada escucha), poesía, en fin, un álbum infinito como pocos. Muchos hemos aprendido a mirar a través de él porque es un álbum nacido de la sabiduría popular ya que Morrissey nunca se pone por encima de los oyentes sino que habla con el lenguaje cotidiano que identifica al ciudadano de a pie. Los textos de Mozz tienen el don de la empatía, ya que el oyente siempre tiene la facultad de nutrir las canciones con su propia experiencia. El disco es un mosaico de estilos y eso porque el abanico temático es amplio. Desde la posición política, pasando por la desesperación, la ironía y la autoparodia, las observaciones inteligentes, y esa canción infinita, “There Is A Light That Never Goes Out”, que resume en menos de cuatro minutos, las sensibilidad, el deseo y la conciencia de la individualidad, y todo eso a través de una canción con un fuerte componente visual. Un disco irrepetible, único, clásico, que a muchos nos dice parte de lo que realmente somos.

El nuevo disco de Akron/Family, “S/T II: The Cosmic Birth And Journey Of Shinju TNT”, es otra pasada de vueltas como ya nos tienen acostumbrados. Una mezcla de psicodelia, indie africano, pop del bueno (en ocasiones se parecen mucho a Animal Collective) y folk, confirman la madurez de una banda que parecía terminaría deambulando en el olvido. El quinto álbum de los norteamericanos suena atemporal y a la vez orgánico, arriesgado pero afincado en la tradición, en resumen raro….pero bueno. Un álbum de extraño halo. Como dirían en España “con duende”, capaz de hacer participes al resto de nuestros sentidos, ya que vemos, tocamos, olemos y gustamos de un conjunto de canciones con vida propia. Muy agradable….y raro.

Desde California llegan Sea Of Bees, liderados por Julie Baenziger, con un pop etéreo de múltiples texturas. Y es que “Songs For The Ravens” , debut de los californianos, no solo es un buen disco de pop clásico, sino que además la electrónica le otorga más colores a la paleta sonora ya de por si rica en matices. Otro elemento importante es la voz de Baenziger, capaz de alcanzar diversos registros, y que deja flotar en el ambiente a su antojo como si fueran parte de la leve neblina matutina. Una grata sorpresa para quienes gozan del pop simple de múltiples emociones.

Little Scream.Indie Pop, Canada.



Cannons






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Parts and Labor es una banda de Brooklyn que se caracterizaba por hacer noise, pero ahora bajan de revoluciones en su nuevo disco, “Constant Future”, considerada por muchos críticos como el mejor álbum de la banda hasta la fecha. Y no es para menos si tenemos en cuenta que si bien mantienen el ruido como un elemento importante en la construcción de sus canciones, no se basan en él. Estamos ante una colección de canciones que no poseen un referente sonoro ya que suenan a muchas cosas a la vez. La electrónica se mezcla con el ruido y las texturas son suavizadas desde una perspectiva pop obteniendo como resultado un álbum de muchos matices, alcanzando en cada canción los paisajes soñados por cualquier melómano arriesgado.

Es probable que Guy Garvey, lider de Elbow, se encuentre en medio de aquel periodo que se caracteriza por la mirada constante hacia atrás, es decir, en medio de esos cuarentas que por lo general son un castigo para el ser humano. Pero lejos de sonar quejumbroso, su nuevo álbum, “Build A Rocket Boys!" , es una mirada complaciente hacia ese pasado que atesora los recuerdos de las cosas realmente importantes: la comunidad en la que crecemos, raíz de lo que somos en realidad. Por ello, las canciones suenan emotivas (no afectadas) cualidad que permite al oyente ser participante activo de las canciones. La música ofrece delicados arreglos que realzan los emotivos recuerdos de Garvey. No es necesario el barroquismo instrumental ya que los delicados trazos son más que suficientes para volver a mirar hacia atrás. Un disco emotivo que no hace más que recordarnos la madurez de una banda que ya es un clásico contemporáneo.

The Dears es una banda que ya lleva un tiempo en la carretera, y que parece por fin han encontrado la madurez como para poder ingresar a las ligas mayores, y su nuevo álbum, “Degeneration Street”, atesora una serie de virtudes que permiten sustentar dicha afirmación. La banda canadiense parece estar en plenitud, desplegando la adrenalina propia de los shows en vivo en el disco(al parecer la banda tiene como debilidad el hacer giras interminables) con la fuerza propia de las bandas que saben que desde el escenario pueden domar una bestia de mil cabezas. Y es que por momentos recuerdan la epicidad de Arcade Fire, la electricidad de Muse, o el nervio de Radiohead, y no estoy hablando de una copia barata, de aquellas que abundan, sino de algo que solo poseen los iluminados. La paleta sonora es variada, se alterna la velocidad de las guitarras con las texturas de los sintetizadores, en un álbum que se atreve a enfrentar la calma y la tormenta por igual.

Los años pasan y todo envejece conmigo. Al menos eso me parece percibir, o me apetece pensar. Una de las bandas que me acompaña en este camino hacia la eterna madurez es R.E.M, banda que no necesita mayores presentaciones por motivos obvios. Pues bien, este año cumplen 30 años de vida artística y lo celebran lanzando “Collapse Into Now”, un disco grabado entre Nashville, New Orleans y Berlín, que de alguna forma trasluce el espíritu que emanan estas tres ciudades. El folk, el country y el rock acelerado presentados, juntos pero no revueltos, en un disco que muestra a los de Georgia en un buen estado de forma, incluso por momentos acercándose al nivel del clásico “Automatic For The People”. Dominan los tiempos, mezclan la velocidad con las texturas en donde brilla la guitarra de Peter Buck. No se puede dejar de mencionar la participación de Patti Smith cerrando un disco que mantiene la clase que ya es costumbre.

El debut de Dum Dum Girl, “I Will Be”, fue una grata sorpresa ya que desprendía frescura y atrevimiento con esa mezcla de pop y distorsión. Pues bien, para este año, la banda de Kristin Gundred ha sacado un EP que alarga la esperanza que se tiene en ellas: “He Gets My High”, son solo 4 canciones, menos de 15 minutos, pero suficientes para comprimir la esencia de la banda, aunque poniendo en evidencia las principales virtudes que poseen. Canciones que fusionan el pop de los 60’s, parte ya de su identidad, el ruido que se mezcla con él, e historias que narran la complejidad de las emociones. Y como si fuera poco, cierran el EP, con la canción de The Smiths que marcó los corazones de toda una generación, “There is a Light that Never Goes Out”, una canción releída y adaptada al estilo de la banda de California.