Ahora la tercera entrega del Ranking del Año para este pequeño espacio.
30-Wild Beasts – Smother
Wild Beast ha entregado un tercer álbum que no solo está bien, sino que también los muestra en pleno estado de madurez. La voz en falsetto de Hayden Thorpe nos recuerda a los alaridos dramáticos de Jeff Buckley o a la voz de ángel de Antony Hegarty. Al instrumento natural de Thorpe lo envuelve una música pausada,atmosférica, con una percusión que le otorga cierto caos a cada canción, las que también se caracterizan por no tener un patrón establecido; Se conoce el inicio pero no ser avizora ni el camino ni el fin de cada aventura. A la creación de dicha atmósfera colabora los sintetizadores con esos pequeños pero significativos trazos, y la delicada telaraña confeccionada desde las guitarras. Un disco que nos permite reconocer, de manera consciente, la naturaleza del ensueño.
29-Clams Casino – Instrumentals
Alguna vez mencioné que el rap no era lo mío, pero a reglón seguido escribí que cuando una obra se impone a los prejuicios del oyente es que estamos frente a un gran disco. Me parece que lo mencioné cuando escribí sobre el aclamado “My Beautiful Dark Twisted Fantasy”de Kanye West. Pues lo mismo me ha pasado con el debut de Clams Casino, un rapero blanco de la Costa Oeste norteamericana que tiene su punto de partida en el rap clásico, pero lo distorciona hasta el punto que la lectura que se puede hacer de “Instrumentals”, primer disco del norteamericano, se presta a varias interpretaciones, no por su falta de foco, sino por la riqueza de su estilo. Un rap en cámara lenta se difumina creando ambientes hipnóticos, de texturas oscuras y ritmos que cambian al interior de las canciones sin alterar sus estructuras.”Instrumentals”es un buen ejemplo de que el talento siempre se impone al prejuicio del oyente.
Instrumentals
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28-The Field – Looping State Of Mind
La música que hace Axel Willner con el seudónimo de The Field tiene algunos detractores que lo acusan de repetitivo, de poco creativo. Sin embargo, pienso que para hacer música repetitiva y al mismo tiempo atractiva el creador tiene que tener un talento especial. Axel Willne ya demostró en sus anteriores trabajos que le bastan unos pocos loops para poder crear himnos de la electrónica minimal, y en su nuevo álbum “Looping State Of Mind” sigue demostrando esa calidad para transformar pocas particulas sonoras(por lo general sacadas de clásicos de la música popular)en música pop. Es probable que a muchos de sus seguidores no les agrade que para la ocasión no existan himnos para la pista de baile. Sin embargo, el muro de sonido construido a base de pocos elementos es más para el goce interno que para el externo, ya que para disfrutar del paisaje sonoro creado en su nueva entrega necesita de nuestra atención, aunque sin impedirnos el disfrute hedonista propio del género. Una nueva lección de Willner para quienes quieren hacer de la frialidad de las maquinas una forma de disfrute popular.
27-Fucked Up – David Comes To Life
Fucked Up es una banda canadiense con cierto recorrido, aunque recién este año han copado portadas gracias a “David Comes a Live” un álbum doble que desarrolla un concepto entorno a David, un personaje que apareció en singles previos pero que recién este año vió su historia finalizada en el álbum que ahora reseño con 7 canciones inéditas. Los canandiensen siempre han sido una banda con ambiciones artísticas evidentes, sobre todo si tenemos en cuenta que el Hardcore-Punk se caracteriza más por sus aspiraciones ideológias enmarcadas en un encuadre minimal que en desarrollar conceptos más propios del rock setentero. Además, los canadienses no muestran complejos a la hora de crear diversos matices en cada canción, o de hacer suyas las maneras ajenas más propias de otros géneros. “David Comes A Live”es el ejemplo de que se gana más cuando se intenta romper las delimitaciones trazadas por algún género musical determinado creando, en la mayoría de casos, obras maestras.
David Comes To Life
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26-Atlas Sound – Parallax
La melomanía de Bradford Cox es parte importante de su ADN, de eso ya no caben dudas. Cada entrega, sea con Deerhunter o con su proyecto en solitario Atlas Sound, desnuda sus intereses artísticos, transformando cada nueva obra en distinta a la inmediatamente anterior. Sin bien se pueden reconocer algunas señas de identidad, siempre hay una vuelta importante de tuerca en cada trabajo que comanda. Este año lanza “Parallax” con Atlas Sound, un álbum que mantiene esa tendencia por el dream pop, el surf rock, y la electrónica espacial, aunque con mayor protagonismo de la voz, menos escondida por los efectos que caracterizaron “Logos”, su obra anterior. Cada canción se percibe como un conjunto de células vivas que conforman un organismo en constante movimiento, pero eso sí, con identidad propia. No existe canción que repita el trazado de los demás temas, aunque cada una exprese la inseguridad y alienación de su creador. Un disco que se puede interpretar de muchas maneras-he leído por allí que la portada del disco es una especie de homenaje al Bowie de inicios de los ochentas( etapa “Let’s Dance”)-aunque lo que sí es cierto es que al igual que Bowie, Cox tiene la capacidad para devorar todo tipo de música y transformar sus elementos en detalles a usar en su propio discurso. Un nuevo paso de Cox hacia la consolidación como el artista imprecindible que todos sabemos que es.
25-Tom Waits
El bueno de Tom Waits no se cansa de hacer discos y siempre con ese estilo tan suyo. Para ser sincero, a mí siempre me cuesta oír sus trabajos, aunque luego siempre me queda un trago dulce, aunque de seguro él disfruta más de los amargos. Tío rarito, pero que tiene un discurso muy propio, inigualable, en donde podemos percibir esa Norteamérica perdida entre tugurios de poca monta, o burdas imitaciones de prostibulos de mala muerte. Ese es Waits, tan capaz de describir su país desde lo más decadente que la tierra del tío Sam nos puede ofrecer. Y para colmo, en este “Bad As Me”(en cuya portada sale un Waits deformado, capaz de inspirar miedo e ironía por igual)se rodea de luminarias de la música como Keith Richards, Flea, entre otros. No, Waits nunca nos será indifente a pesar de que conozcamos por donde van los tiros, siempre se las ingenia para dar en el blanco.
Bad As Me
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24-Cut Copy – Zonoscope
Luego de obtener éxito con “In Ghost Colours”, Cut Copy lanza al mercado “Zonoscope”, un disco que se distancia de su predecesor en cuanto a forma, lo que ha suscitado críticas de cierta parte de su legión de fans, pero que por otro lado descubre la búsqueda de los australianos de un sonido que los defina.
23-Lykke Li – Wounded Rhymes
Lykke Li tiene una voz felina que puede llevar a la equivocación. Y es que con ella la apariencia es más que engañosa ya que puede adoptar, en sus canciones, personalidades muy distintas entre sí, y que de alguna forma nos habla del complejo mundo de la artista. Su nuevo disco “Wounded Rhymes” es un compendio de sensaciones contradictorias, que transitan desde la fragilidad hasta la autosuficiencia, y que se encuentran barnizadas por el ritmo tribal y las hermosas melodías del pop sesentero (sin dejar de lado al pop sueco). Sin embargo, a pesar de la luminosidad pop, el contraste de matices desemboca en una oscuridad que sirve de columna vertebral desde la primera hasta la última canción. No debemos olvidar la capacidad vocal de Li que cubre los más diversos registros con altura, y que hace creíble las heridas emocionales o el deseo descarnado por igual.
22-Tim Hecker – Ravedeath, 1972
Un órgano inmerso en el silencio puro de una iglesia en Reykjavik es todo lo que necesito el canadiense Tim Hecker productor de música electrónica, para crear “Ravedeath 1972”, un disco conceptual que, según el autor, intenta recrear su creciente interés por la basura digital( cuenta que la idea surgió cuando el gobierno de Kazajistán mando destruir millones de CD’S y DVD’S piratas, dice que la idea de aquel sonido le obsesionó). La idea, por más tirada de los cabellos que parezca es interesante ya que justamente rescata un sonido turbio, distorsionado (recreados en los estudios), que se mezcla con la pureza del sonido base (el órgano en la iglesia). Quizás lo que Hecker buscaba es la analogía con respecto a la realidad digital, una naturaleza que mezcla justamente la pureza de la tecnología y la suciedad en la que se puede convertir en manos del hombre. Un disco oscuro, ambiental, de una belleza sutil. Les juró que me sentí un protagonista de Blade Runner
21-Julianna Barwick – The Magic Place
“The Magic Place” de Julianna Barwick es un disco para sentir sin necesidad de descodificar intelectualmente su entramado sonoro. No hace falta el análisis semántico cuando la emoción es pura, al menos así lo entiendo yo como melómano. La norteamericana ha entregado un disco plagado de texturas, donde su voz se repite como un eco eterno, en un viaje que se dirige hacia el corazón de la belleza. La repetición de su voz se manifiesta en diversas tonalidades, tejiéndose capas sonoras que se irán hilvanando hasta formar un ente totalmente nuevo. La voz se fusiona con el piano, los sintetizadores, el bajo, y una percusión cadensiosa, trayendo como consecuencia un lienzo con elementos conocidos, pero irreconocibles en su conjunto. Un disco ambicioso y, curiosamente, simple en su concepto. No solo estamos ante un álbum que puede enmarcarse dentro de lo que se podría llamar “musica espiritual”, sino en un lugar ubicado entre conceptos relacionados con el “ambient”. "The Magic Place" deslumbra por su belleza, invitado sorpresa dentro de lo que se está haciendo en la música popular de los últimos años.
