Archive for 1/11/13 - 1/12/13

Prefab Sprout-Crimson/Red



Es extraño como el legado dejado por Prefab Sprout ha ido pasando poco a poco al olvido. Y es que la banda ideada por Paddy McAloon fue sin duda una de esas perlas que flotaban en el universo pop allá por los 80´s, década en la que casi todos los artistas y/o bandas tenían como prioridad ser diferentes. Paddy mientras tanto se centraba en crear canciones, obsesionado con la perfección y la belleza sin tener muy presente aquello del estrellato. Fue así que creó obras maestras como el Steve McQueen, From Langley Park to MemphisJordan: The Comeback, por citar algunas de sus creaciones. Luego el cuarteto se hizo humo, perdimos los rastros de Paddy, la vida siguió su curso, y de alguna forma todos olvidamos a Prefab Sprout. El vacío duró hasta que hace casi un lustro Paddy entró nuevamente sigiloso en la vida pública con un álbum bajo el brazo, Let's Change the World with Music (2009), y con la lamentable noticia que estaba quedando ciego y sordo a causa de una enfermedad degenerativa. Fue una noticia lamentable para todos los amantes de la buena música, pero sorprendente fue también el saber acerca de su deseo de querer seguir adelante con un álbum que sin embargo no presentaba material nuevo, sino canciones que habían quedado incompletas en el baúl de los desechos. El disco fue re-masterizado y, claro, fue un tremendo regreso. Para este año nos vuelve a sorprender con otro álbum que rescata viejas grabaciones que han sido pulidas al mejor estilo McAloon, es decir, persiguiendo la perfección melódica, la belleza de los acabados, y el romanticismo desbordado pero sin caer en la ñoñeríaCrimson/Red es atemporal como cualquiera de sus otros discos, aunque la diferencia radica en que todo el crédito se lo lleva McAloon quien escribió, grabó, produjo y tocó todo el disco él solo. Como en los viejos tiempos, Paddy ha creado otro álbum clásico desde su salida, y es que el pop adolece desde hace algunas décadas de verdaderos songwriters como Paddy McAloon, artistas con la obsesión de crear canciones atemporales que nos acerquen al menos un poco a ese ideal de belleza al que todos, de alguna u otra manera, aspiramos.


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Bill Callahan-Dream River




Bill Callahan nuevamente alcanza la excelencia con el magnífico Dream River, álbum en el que se asentúa la madurez manifiesta desde que empezó a usar su nombre (Woke on a Whaleheart, 2007) para firmar sus discos en desmedro del seudónimo que lo acompaño durante la primera parte de su carrera. Hablo de madurez en el sentido de encontrar el equilibrio interno, y eso se refleja en su música- Al menos, la aceptación de la vida y sus enormes interrogantes es un hecho que se traslada a su música y a sus reflexiones. El camino de Bill ha ido desde la complejidad de su mundo interior hacia la simpleza, tanto de tus textos como de su música. El minimalismo se aprecia en las disminución de arreglos, ya que el protagonismo es ahora la de su voz, capaz de expresar distintas emociones con aquella virtud otorgada por los dioses, la que no necesita mayores desvaríos sonicos más allá de los estrictamente necesarios. Siempre fue su voz, pero los años la han curtido con sabiduría, y él ha aprendido a usar su invaluable instrumento natural. Por momentos hay exotismo, vientos que describen un entorno natural, una guitarra que se incendia en una sola nota, un tempo que se dilata con el ritmo apacible que a la vez es cálido, en fin, Dream River es un disco en el que se respira naturaleza, se percibe paz y a la vez sabiduría. Bill Callahan lo volvió a hacer y a nosotros solo nos queda agradecer su maestría.

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Stream-Grass Is Green

Grass Is Green – “Vacation 2.0″

Vacation 2.0 pertenece al nuevo álbum de los norteamericanos Grass Is Green que llevará por título Vacation Vinny y que saldrá a la venta a mediados de enero a través de Exploding In Sound Records.

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Radar-Ernest Gibson

Ernest Gibson – “When You Get There”

When You Get There pertenece al álbum debut de Ernest Gibson, mitad de Net Shaker, que llevará por nombre Island Records y que salió precisamente hoy a la venta a través del sello danés Skrot Up.

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Stream-Angel Olsen

Angel Olsen – “Forgiven/Forgotten”

La talentosa cantautora Angel Olsen ofrece en la red Forgiven/Forgotten, adelanto de su próximo álbum que saldrá a mediados de febrero del próximo año y que llevará por nombre Burn Your Fire For No Witness.


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Stream-Thunders

Thunders – “Noasis”

El trío norteamericano Thunders está a punto de sacar un nuevo álbum y Noasis es el single que empieza a crear expectativas en torno a esta nueva entrega de la banda de Illinois.


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Vampire Weekend-Modern Vampires Of The City


A Vampire Weekend siempre se le ha considerado la banda hipster americana por excelencia: guapos, bien vestidos, delgados, inquietos culturalmente, puramente universitarios, con un punto pijín, irónicos tanto con el mundo como consigo mismos… Esto ha provocado, curiosamente, que en esos mundillos de gente que se supone que “sabe de música” (o que al menos presume de ello) se les trate con un poco de ambivalencia: se reconoce su valía como grupo de hits cañoneros, aparentemente simples pero que esconden más influencias y sonidos de lo que parece (faltaría más con una carrera que cuenta con A-Punk, Cape Cod Kwassa Kwassa o Cousins, por poner tres ejemplos), pero también existe bastante desdén e incluso fastidio ante ellos. Pero tras su tercer disco, publicado en mayo de este año, hasta los detractores más acérrimos han tenido que resignarse a la evidencia: todo lo que puedan tener de modernillos, lo tienen de buenos.

Y es que Modern Vampires Of The City no es sólo bueno, es sobresaliente. Y siendo su disco más inquieto hasta la fecha, es también el más minimalista y sosegado de su discografía: predominan las baladas, y no hay muchos temas en los que el grupo acelere el paso, con lo que los fans que esperaban con ansia viva el nuevo A-Punk o Cousins del 2013 sólo tienen para satisfacerse el rockabilly furioso y distorsionado de Diane Young y las juguetonas Worship You y Finger Back. Esto puede ser decepcionante para estos fans, pero es más que adecuado para el que es sin duda el disco temáticamente más oscuro y sombrío que el grupo ha hecho hasta la fecha: el apocalíptico Manhattan descrito en Hudson o las espinosas verdades históricas a las que alude Finger Back eran impensables hace cinco años, y el paso del tiempo y cómo este afecta al amor, amistades y demás es un tema constante en todo el disco, haciéndolo no especialmente pesimista, pero mucho más reflexivo que los dos anteriores.

Temáticamente es oscuro, y sónicamente parece más austero y tranquilo que los anteriores, pero lejos de ser un disco monótono, si se escucha con un mínimo de atención, Modern Vampires Of The City revela la mayor variedad de influencias y arreglos que el grupo ha mostrado hasta la fecha: Paul Simon, new wave, Talking Heads, indie-pop inglés, algo de afrobeat, algo de música de cámara, gospel e incluso hip-hop (el beat de la excelente Step, que mezcla el hip-hop con clavicordios barrocos, casi nada) se van sucediendo y mezclando como si nada gracias a la experta mano del teclista Rostam Batmanglij, que aquí co-produce junto a Ariel Rechtshaid, y que propone a lo largo del disco algunos de los arreglos más inesperados y extraños de la carrera del grupo, como los coros pituferos del estribillo de Ya Hey, o la variación del pitch de la voz de Ezra Koenig en el estribillo de Diane Young, los cuáles sonarán raros sobre el papel, pero terminan cuadrando de manera fantástica, y le dan al disco un aire de imprevisibilidad constante que el oyente agradece bastante. Sin embargo, de todos ellos, el giro que más estruja el corazón es seguramente el más previsible y canónico de todos: en la excepcional y letárgica Hannah Hunt (mi favorita del grupo), en la cual Ezra describe un viaje por EEUU de la mano de la un poco caprichosa Hannah, en el minuto 2:40 entra una batería poderosa de la nada, los arreglos suben de intensidad, y Ezra empieza a gritar a pleno pulmón “If I can’t trust you, then dammit Hannah/ There’s no future, there’s no answer” en el momento más emocionante, sincero y desgarrador de la carrera del grupo, y uno de los candidatos más serios al premio a los mejores 30 segundos musicales del año, al lado del final del Line Of Fire de Junip, el crescendo antes del último estribillo del All The Days de Haerts, el estribillo dramático del I Appear Missing de Queens Of The Stone Age o el momento en el que entra la batería en Giorgio By Moroder de Daft Punk, por poner cuatro ejemplos.

Hay demasiadas influencias que me he dejado sin comentar (como el homenaje a Springsteen via Paul Simon de la preciosa Unbelievers), pero es que Modern Vampires Of The City es uno de esos raros discos que, pareciendo simple e inmediatamente disfrutable en una escucha superficial, es tremendamente denso si se quiere profundizar en él, y diseccionarlo entero nos podría llevar a algo aún más largo y tedioso que esta crítica. Tan sólo quédense con la idea que les he intentado transmitir en esta crítica más larga de lo que debería ser: escuchenlo. Ya. Ahora mismo, si no lo han hecho todavía durante este año. Si les sirve de algo, y se fían de un don nadie aficionado a escribir cosas en Internet, yo creo que es no sólo su mejor disco, sino uno de los mejores discos de este año. Y en un año plagado de discos para el recuerdo, se me ocurren pocos halagos mejores y más elocuentes que ese.


Mi nota: 8.5

Mis favoritas: Unbelievers, Step, Diane Young, Hannah Hunt, Ya Hey


Daniel Díaz.


Modern Vampires Of The City





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Stream-Marissa Nadler

Marissa Nadler – “Dead City Emily”

Dead City Emily es el primer single del nuevo álbum de Marissa Nadler titulado July que sale a la venta en febrero del 2014 a través de Sacred Bones y Bella Unión.


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Boards of Canada-Tomorrow's Harvest



Está demás decir que este año ha sido de regresos, con campañas de publicidad ingeniosas y otras que no lo fueron tanto. Nos hemos reencontrado con material nuevo de bandas o artistas que han vuelto del ostracismo y que, en líneas generales,  han entregado trabajos por demás satisfactorios. Al igual que Bowie, My Bloody Valentine, Daft Punk y un largo etcétera, este 2013 también ha sido el año que volvió el dúo Boards of Canada luego de ocho años marcado por el punto aparte que significó The Campfire Headphase (2005). Sin duda, su nueva entrega titulada Tomorrow's Harvest muestra el sonido característico de los escoseses, que parece no renuncían a la creación de paisajes visuales utilizando sonidos. Percibimos un mundo bucólico en el que los trazos de la realidad se difuminan, los colores se multiplican, el ritmo no sigue un patrón sino más bien divaga entre lo cadensioso y lo repetitivo sumergiéndonos en ese mundo en espiral creado por texturas y un tempo que se mantiene suspendido. Tomorrow's Harvest es otro álbum con el que Boards of Canada nos inserta en mundos extraños pero que de cierta forma reconocemos, quizás por la naturaleza cinemática de su música, siendo ésta su forma de hacer apostolado en un mundo que vive de espaldas a la belleza de lo natural. Otro trabajo soberbio de los hermanos Sandison que a pesar de un hiato que nos dejó en vilo nos muestran que no han perdido el estado de forma.


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Darkside-Psychic



Nicolas Jaar se ha ganando un nombre dentro del mundo de la música con menos de 25 años, y eso gracias a los diversos proyectos en los que se ha visto envuelto, con los que ha mostrado esa ambición creativa que muchos deberían envidiar. Para esta ocasión une fuerzas con el multi-instrumentalista Dave Harrington con quien, luego de un EP homónimo y algunos remixes, saca al mercado Psychic, álbum que intenta fusionar la electrónica experimental minimal de Jaar, con la exhuberancia de las cuerdas y el ritmo básico de las composiciones de Harrigton, situación que trae como resultado canciones de multiples texturas, rugosas, sintéticas, con cierta predilección por las oscuridad, estado que se extiende por todo el álbum, no rehuyen a flirtear con el hip hop, etc. La sensación general que ofrece el disco es de trance, ya que transporta a un mundo donde gobiernan los sonidos, en donde los detalles, por más mínimos que sean, nos sumerge en un estado de ensueño. Psychic es un álbum con el que podemos confirmar que no es necesario entender de música para disfrutar de una aventura sónica, en la que los sonidos gobiernen, y nuestros cerebros e imaginación trabajen.


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Daft Punk-Random Access Memories




Hype: tan deseable y, a la vez, tan peligroso, tan capaz de encumbrar a un artista como de dilapidarlo. El hype, en el mundo de la música electrónica, tiene un nombre, y uno solamente: Daft Punk. Con sólo tres discos en más de quince años de carrera (cuatro si contamos la banda sonora de Tron: Legacy), el dúo francés es mucho más que una entidad musical: no hay nada que hable más claramente de su éxito e influencia como la cantidad de gente surgida en los últimos 10 años de la que se ha dicho que "suena a Daft Punk". Y, como si la sola mención de material nuevo suyo no fuera suficiente, la campaña de publicidad que precedió a su cuarto (o quinto, según se quiera ver) disco fue abrumadora. ¡Nile Rodgers! ¡Pharrell! ¡Giorgio Moroder! ¡Funk! ¡Años 70! En un año de anti-campañas publicitarias y lanzamientos ninjas, Daft Punk se marcaron una campaña publicitaria de las que ya casi no se ven, impecable en su desarrollo, movimientos y dosificación de la información musical, y que sólo Arcade Fire, con bastante menos precisión, se atrevería a emular este año. Toda ella, apoyada en su espectacular single de presentación, empujaba a pensar que este iba a ser su disco de homenaje al funk y a la música disco. ¿Fue así al final?

Pues... no del todo. De la misma manera que Homework no era solamente un homenaje al house ochentero, Random Access Memories tiene algo de funk, pero no es exclusivamente un disco de Chic hecho con equipamiento moderno. Además, hay bastante soul (la cuarta parte del disco son baladas sensuales cantadas a vocoder), rock progresivo, algo de musical setentero, pop electrónico e incluso un poco de techno machacón a la vieja usanza para el final, resultando el conjunto final como una especie de musical disco-soul-progresivo-setentero, si eso puede tener sentido. Pero sobre todo, Random Access Memories es un homenaje al poder del elemento analógico y humano en la música de baile, algo que, en un tiempo en el que la música de éxito es cada vez más robótica, aburrida, falta de ideas y deshumanizada, no es sólo necesario, sino que se convierte en un manifiesto para muchos de nosotros, una proclama que, para más ironías de la vida, ha tenido que ser hecha por dos tipos que en todos sus conciertos se disfrazan de robots, y que gustan de usar algo tan deshumanizador como el vocoder. Dos tipos, eso sí, que han podido disponer de todo el tiempo, dinero y colaboraciones estrella que han creído necesario, lo cual, unido a su ya demostrada pericia tras la mesa de mezclas, se nota, y mucho: este es el disco mejor producido no sólo del año, sino posiblemente de los últimos diez años. Ponerse este disco con cascos y percibir todos los sonidos tan perfectamente posicionados que se suceden es un placer de un calibre peligroso.

Como decíamos antes, hay muchas, pero que muchas colaboraciones, y algunas de ellas bastante conocidas. Hablemos primero de los temas que no las tienen: entre ellos destacan sobre todo Contact, un poderoso cierre que recuerda a la gente que Daft Punk son, sobre todo, maestros del house machacón; y la hipnótica Motherboard, uno de los momentos más seductores y estimulantes del disco, y que recuerda a un clásico perdido de algún grupo de rock progresivo casi olvidado (a mí me recuerda a ratos a Tangerine Dream). Del resto,The Game Of Love, Within, Beyond y Fragments Of Time (de nuevo con Todd Edwards) son puro Daft Punk en modo balada funky-soul a lo Something About Us. Within es bonita, pero el resto no me dice mucho, y me refuerza la idea  que los discos de Daft Punk casi siempre son tremendamente irregulares.

En el terreno de las colaboraciones conocidas, la que más brilla es la del incombustible Nile Rodgers
,que le regala al duo francés tres de los mejores riffs que ha hecho en años para los tres temas más puramente funkies del disco (Give Life Back To MusicLose Yourself To Dance y el ya clásico atemporal Get Lucky), dos de ellos cantados por Pharell. Panda Bear se deja ver en uno de los cortes más polarizantes del disco (yo no lo aguanto, a mucha otra gente le encanta), Doin' It Right; y Julian Casablancas con vocoder canta la muy synth-popera Instant Crush. He dejado a Paul Williams y Giorgio Moroder para el final porque sus dos momentos merecen comentario más amplio. Touch, la colaboración con Paul Williams, y la pieza central tanto en posición como en importancia del disco, es un musical entero comprimido en ocho minutos, que empieza de manera atmosférica, y termina saltando de la música disco (con piano muy ragtime) a Andrew Lloyd Webber (con coro de voces blancas y todo), para terminar con el piano y la voz de Paul Williams de nuevo. Dentro de un disco bastante experimental, este es el experimento más arriesgado de todos, y el hecho de que el duo francés transforme algo que en papel suena a aberración musical en un tema imperfecto, pero fascinante, habla tanto de su pericia como de la pasión de todos los implicados en la pieza, empezando por el propio Paul, que ofrece una de las mejores interpretaciones vocales que se le recuerdan en años.

Giorgio By Moroder, el homenaje del dúo francés al mítico músico italiano, merece un párrafo propio. Más sencilla en estructura que Touch, se divide en dos mitades: en la primera Giorgio relata algunas de sus experiencias a modo de libro de autoayuda, y tiene un arreglo más sintético (uno de los pocos momentos del disco en los cuales hay un beat programado) que suena a puro Moroder, propulsado por el elemento central de todo el tema, un sinte burbujeante e hipnótico que hace justicia a las mejores lineas melódicas del maestro. Pero siendo disfrutable, es en la segunda mitad cuando el tema explota del todo: entran cuerdas, se va el beat programado, y es sustituido por la mejor sección rítmica que oirán en este año, con dos leyendas como JR Robinson y Nathan East haciendo virtuosa magia, y transformando la sección rítmica en un explosivo cruce entre jazz y drum 'n' bass épico y apasionante. Se incorpora un DJ haciendo scratching a la sección rítmica, y el juego entre ellos tres (el mejor momento del disco) va subiendo de intensidad hasta que una guitarra eléctrica sangrante se incorpora haciendo estragos justo al final, transformando el tema en rock de alta intensidad en el minuto de música más épico creado este año. Giorgio By Moroder es tan extenuante como excitante, épica, compleja y a la vez disfrutable de la manera más primaria y sencilla imaginable, y está entre los cinco mejores temas no sólo del año, sino de la carrera de Daft Punk, siendo el homenaje perfecto a uno de los músicos más importantes e influyentes de los últimos cincuenta años.

Y con todo, como sucede en toda la discografía de Daft Punk (salvo Homework que me parece perfecto de principio a fin), Random Access Memories me parece en conjunto un disco muy irregular, con temas tan grandiosos como Giorgio By Moroder o Get Lucky al lado de temas que me dicen tan poco como The Game Of Love, Instant Crush, Doin' It Right o Beyond. De todas maneras, es algo a lo que los fans de Daft Punk estamos más que acostumbrados, y los puntos más álgidos de este disco pertenecen desde ya al catálogo de clásicos del dúo francés, justificando por sí solos la compra a ciegas de un disco que mantiene el nivel y la leyenda de la discografía excepcional del grupo, incluyendo a Human After All, disco que defenderé hasta el final de mis días como uno de los discos más infravalorados e injustamente vapuleados por la crítica de los últimos 20 años, justo al lado de MAYA (allí hay otro debate interesante para otro momento). Y aunque no tuviera los temas legendarios que tiene, merecería la pena la compra sólo por la reivindicación del alma analógica en la música de baile, cosa que, en estos tiempos de dominio de productores y "divas" fotocopiadas (rellenen los nombres ustedes), es más necesaria y vital que nunca.

Mi nota: 7
Mis favoritas: Giorgio By Moroder, Get Lucky, Motherboard, Contact

Daniel Díaz




Random Access Memories

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Disclosure-Settle




La música dance inglesa lleva cerca de diez años dándole un repaso importante en calidad (no tanto en ventas) a su ex-colonia del otro lado del Atlántico, además de ser la única respuesta europea al imperio electro-pop y dance escandinavo, con gente tan importante e innovadora en la música de baile reciente como Katy B, Benga, Zomby, Rudimental, DJ Zinc, Little Boots, Roisin Murphy o Chase and Status. De los más jóvenes de todos ellos (23 y 19 años), de los que han sufrido un ascenso más meteórico (su ascenso final se produjo sobre todo desde octubre de 2012) y de los que tenían el medidor de hype de los fans más por las nubes, Disclosure por fin publicó su debut a mediados de este año, para regocijo de los amantes del deep house, el two-step, el garage y los sonidos más noventeros del dance inglés.

Settle, que es como se llama su debut, suena, como ya hemos dicho antes, a garage y deep house de corazón noventero y algunos (pocos) detalles contemporáneos, pero sobre todo, como atestigua su éxito de ventas, es un disco con alma pop. No hay desarrollos largos, ni introducciones atmosféricas, ni nada que huela a la etiqueta progressive” en su propuesta: cada uno de sus 14 temas es un trallazo de no más de cinco minutos, directo, bailable, de producción impecable y de estribillo extremadamente pegajoso, conformando un disco lleno de trallazos que, cierto es, no suena especialmente innovador (lo que más le han criticado sus detractores), pero que es tremendamente disfrutable tanto con la cabeza y oídos como con los pies. Además tiene a favor que es uno de los discos mejor secuenciados del año: cada canción fluye de manera natural hacia la siguiente, manteniendo el momento como en las mejores sesiones desde la más electro-funk-ochentera [When The Fire Starts To Burn (uno de los cortes más puramente bailables del disco) hasta el más relajado final con la excelente Help Me Lose My Mind, lo que permite, además de darlo todo en la pista con sus singles, escuchar el disco de manera completa.

Hay muchas colaboraciones vocales, y de nuevo cosa rara en un disco de estas características, todas rayan a un nivel alto como poco. Algunas son más conocidas: Jessie Ware derrocha clase y sensualidad en Confess To Me (recuperando el sonido de los bajos más dubstep en clave bailable, casi nada), el infravalorado Jamie Woon le antecede en la deliciosa January, y también brillan Aluna Francis (AlunaGeorge) en la más RandB (y más cercana al sonido de AlunaGeorge) White Noise y Eliza Doolittle en You And Me, dos de los tres singles publicados desde octubre de 2012 y que llegaron hasta el top 10 de las listas británicas. De las menos conocidas, Sam Smith y Hannah Reid (vocalista de London Grammar) brillan en Latch y la ya mencionada Help Me Lose My Mind , pero el mayor descubrimiento del dúo, y uno de las estrellas emergentes más brillantes de la escena inglesa, la londinense Sinead Harnett, ve relegada su excepcional Boiling (una de las más garageras del duo) a bonus track de la edición deluxe del disco, decisión que todavía hoy no alcanzo a comprender, y que me sigue pareciendo una pena.


Aún sin este tema, Settle es un debut que supera el importante hype que el dúo se había ganado en 2012, y que, si bien no deja de ser una revisión de sonidos pasados, está hecho con tanto gusto, elegancia, precisión y densidad de pepinazos por minuto que habría que ser un poco asustanciao (viva José Mota) para no pasárselo de miedo con él. Tan sólo un consejo final: intenten conseguir la edición deluxe como sea, porque temas como Boiling o su ya mítico remix de Running de Jessie Ware merecen la pena el desembolso extra.


Mi nota: 7.5 (8 para la edición Deluxe)
Mis favoritas: When A Fire Starts To Burn, Grab Her!, Confess To Me, Boiling (edición Deluxe)


Daniel Diaz





Settle


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Fuck Buttons-Slow Focus



A finales del 2012 tuve la suerte de ver en vivo por segunda vez a Fuck Buttons en lo que sin duda sería el mejor concierto al que asistí dicho año. Aquel día escuché por primera vez The Red Wing, adelanto de lo que sería Slow Focus, pero para tal ocasión el enfoque sobre dicha canción era más techno, motivo por el que muchos de sus seguidores (entre los que me incluyo) arquearon la ceja en señal de incertidumbre. Sin embargo, dicha canción apareció a mediados de año como primer single de Slow Focus, y sin duda había sufrido una transformación: más metálica y densa; menos sintética. Es un poco el resumen de lo que es Slow Focus, tercer álbum del dúo inglés, con el que siguen dando la talla, acentuando virtudes ya conocidas, menos tribal aunque siempre persiguiendo la economía de recursos, lo que al final sigue siendo una de sus virtudes. La nueva entrega del dúo formado por Andrew Hung y Benjamin John Power mezcla intensidad (agresiva o sensual) con momentos organicos que al mismo tiempo son introspectivos (The Year Of Dog) y hasta por momentos nos recuerda al IDM inteligente de Oneohtrix Point Never (Prince´s Price) o a las texturas borrosamente bellas de Boards Of Canada (Hidden XS). Fueron cuatro años de angustiosa espera y aunque Slow Focus no cambiará la escena alternativa, es una nueva muestra de cómo se va desarrollando la identidad creativa de un colectivo, en este caso un dúo. Fuck Buttons sigue teniendo crédito gracias a su ambición artística.

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Savages-Silence Yourself



Hace un año vi a Savages en vivo un poco de casualidad ya que formaban parte del cartel que presentaba el festival London Calling en Amsterdam. Uno de mis amigos, quien tampoco las conocía, dijo que se parecían a Joy Division, replicándole yo que más bien se asemejaban a Siouxsie. El punto era que eramos transportados a los primeros 80´s, cuando la oscuridad se manifestaba imponente en la escena alternativa británica. Lo cierto es que el cuarteto no solo era un hype bien pensado sino que sobre todo mostraban actitud, energía y, claro, canciones. Para este año la banda anglo/francesa debuta en largo con Silence Yourself, en el que agrupan los singles que salieron desde el año pasado hasta la fecha del lanzamiento del álbum, agregándole algunos cortes que complementan en cuanto a concepto e intensidad los ya conocidos. La voz de la francesa Jehnny Beth nos recuerda a la de Siouxsie Sioux, entre la fiereza y el llanto, liderando ese torbellino de sensaciones dejado por el ritmo apabullante y la fiereza de las cuerdas. Silence Yourself es un álbum que rescata la esencia del post punk, pero no es un sonido nacido de la nada, sino que me parece el más apropiado para expresar la filosofía que las sostiene, que se mueve entre el feminismo y la crítica frente a la sociedad de consumo. Savages ha logrado con este álbum el debut soñado, veremos como se manifiestan los siguientes episodios.

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