Archive for 1/12/13 - 1/01/14

Canciones Radio Free Europe 2013 (Parte 3)


A continuación la tercera parte del ranking del año, en este segmento tenemos de todo, electrónica, avant garde, hasta rock en español. Seguimos la cuenta regresiva desde el puesto 160 hasta el 141.


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Canciones Radio Free Europe 2013 (Parte 2)


A continuación la segunda parte del ranking con las mejores canciones del 2013.


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Canciones Radio Free Europe 2013 (Parte 1)



A continuación el ranking con las 200 mejores canciones del año para este pequeño espacio. Encontrarán de todo como en farmacia como suele pasar con los rankings de Radio Free Europe. Espero lo difruten, hay demasiada música buena.


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Los mejores discos del 2013 según Radio Free Europe (Parte Final)


Bueno, ahora toca presentar el top 10 de un año que será recordado por varias razones, la muerte de Lou Reed, uno de los nombres fundamentales para entender lo que es la música popular de nuestros días, también se nos fue Nelson Mandela, símbolo global de la resistencia frente al orden establecido, o James Gandolfini, aquel actor que interpretó a uno de los íconos culturales recientes. También nos dejó Breaking Bad, una de las cumbres televisivas de todos los tiempos. En fin, enumerar finales reales o ficticios sería pasarme toda la tarde escribiendo. Este 2013 fue muy bueno en lo musical, al menos en lo que respecta a música popular occidental. Hubieron regresos triunfales, confirmaciones, interesantes descubrimientos, en fin, un sin número de triunfos a la medida de cada uno. El blog cambio también de formato y concepto. La persecución de blogs a cargo de "la ley" que protege  los derechos de autor (o mejor dicho, a los intereses de la industria de entretenimiento) cerró varios espacios lo que me obligó a compartir en stream, dejando de compartir archivos. Pero bueno, aún seguimos con vida y aquí les presento el top 10 que a mi humilde parecer es lo mejor que nos ha dado este año que está a punto de irse. Debo agradecer a quienes han colaborado este año con este pequeño espacio, Daniel, Omar, Leticia y Miguel, que sin su valiosa ayuda no hubiera mantenido el ritmo del blog.


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Los mejores discos del 2012 según Radio Free Europe (parte 4)


La cuarta entrega del ranking nos muestra la interesante variedad de géneros que nos regalo este 2013, el pop de autor, el folk, el avant garde, en fin, un rico racimo de buena música. Disfrutenlo.

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Los mejores discos del 2013 según Radio Free Europe (Parte 3)



Para esta tercera entrega tenemos a viejos conocidos pero también nombres que van definiéndose como propuestas interesantes a tener en cuenta en el futuro. Espero disfruten con la continuación de este ranking.


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Los mejores discos del 2013 según Radio Free Europe (Parte 2)



En la segunda parte del ranking hay, coincidiendo por cosas de la vida, un bloque interesante de experimentación sonora, en la mayoría de casos nombres que ya tienen un lugar dentro de sus respectivos géneros. Oído a la música.

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Los mejores discos del 2013 según Radio Free Europe (Parte 1)



A continuación, la primera parte del ranking que inicia así su cuenta regresiva. Experimentación, electrónica, nombres conocidos que regresan, agradables sorpresas, en fin, un surtido más que recomendable.


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Los mejores discos del 2013: Mención Honrosa



Este año 2013 fue sin duda el año de los regresos inesperados. Felizmente, la mayoría de ellos fueron regresos que estuvieron acorde al status de culto de determinados artistas o bandas. Regresos largamente esperados como los de de David Bowie, My Bloddy Valentines, Boards of Canada, Nine Inch Nails, Prefab Sprout o Daft Punk, clásicos contemporáneos como The Knife, Queens of the Stone Age, Locust o Sebadoh, o grandes nombres de los últimos años como Arcade Fire, Vampire Weekend o Bill Callahan, por nombrar algunos de los nombres que se me vienen a la mente. Lo cierto es que la mayoría regresó por la puerta grande, recordándonos que a veces no se necesita ser tremendamente rupturista con respecto al propio pasado para poder firmar trabajos de calidad. No podemos obviar que la primera parte del año estuvo plagada de bandas con influencia psicodélica, por allí estuvo la apuesta de muchas de las publicaciones especializadas y de los blogs de tendencias. Una de las cosas que también me parece interesante resaltar es que dificilmente los álbumes que salieron al mercado a inicios de año goza de demasiado beneficios comparando con los  que gozan los trabajos aparecidos a mediados o finales de año. Eso pueden apreciarlo en la mayoría de listas elaboradas por blogs, revistas,etc. A continuación, les presento un grupo de álbumes que no entraron entre los 50 del año pero creo que merecen ser mencionados ya que se trata de trabajos dignos de mención. Al final, este asunto de los rankings es subjetivo y sus resultados bastante relativos, siendo la elaboración del ranking de Radio Free Europe tan suceptible de cuestionamientos como también puede serlo cualquier otro ranking elaborado.por otro medio enfocado en la música independiente. Espero les guste.

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Nick Cave And The Bad Seeds-Push The Sky Away



Esta crítica empieza con una confesión cuanto menos embarazosa en alguien que se dedica a hablar de música: hasta que escuché este año el disco que nos ocupa, no había escuchado casi nada de Nick Cave. Sabía quién era, y conocía su estatus de semidios de la música contemporánea y de crooner supremo de pasiones y amores plagadas de imágenes desgarradas y religiosas, pero lo máximo que había escuchado de él, además de algún single suelto, y del segundo disco que sacó con Grinderman, era la primera mitad de The Boatman’s Call. Ahora he escuchado bastante más, pero creo que es interesante que esta crítica, en vez de ser la opinión de alguien conocedor de su obra (para eso les recomiendo,por ejemplo, la crítica que un buen amigo mío hizo en el blog El Turista de Alta Fidelidad), sea más bien un relato de qué pensamientos cruzaban mi cabeza cuando lo escuché sin conocimiento previo de su extensa discografía, el cual es un enfoque menos erudito para una crítica, pero creo que igual de interesante.

Para un recién llegado, lo primero que Push The Sky Away le transmite es que el creador del disco tiene las cosas muy claras. Da la impresión en todo momento de ser el trabajo de alguien que ha probado de todo en su carrera, y que sabe perfectamente qué quiere hacer con sus canciones, lo que le da al disco un aire sereno, medido, pero nunca sonando mecánico o calculado, sino siempre tan pasional como sus excepcionales letras, intensas y llenas de imaginería religiosa. Es tan medido que, por no haber, no hay ni temas de más: nueve temas solamente, todos excelentes y cercanos a una idea de blues atmosférico con un barniz de postpunk y jazz, y todos con pocos arreglos, pero sin resultar austero o monótono, estando siempre en un punto medio muy complicado de alcanzar, y al que solo se puede llegar cuando ya llevas muchos años haciendo canciones.

Los expertos dicen que el sonido del disco se sitúa a medio camino entre la austeridad de discos como The Boatman’s Call y No More Shall We Part, y el ruidismo de Let Love In o su etapa con Grinderman. Dentro de lo que conozco, me suena menos ruidista que Grinderman, menos furioso, pero igual de intensos y perturbadores, tanto cuando los arreglos se vuelven un poco más anárquicos (sobre todo en la jazzera Water’s Edge) como cuando ataca estructuras de rock y blues más estándares, como las maravillosas Jubilee Street (dos de los minutos finales más intensos del año, con unos circulares arreglos de cuerda y guitarras para el recuerdo), Mermaids o la más líricamente impresionista y bíblica de todo el disco, Higgs Boson Blues. En las escuchas, tanto de estas como del resto de temas del disco, nombres míticos como los de Tom Waits, Leonard Cohen o los de maestros del blues como Leadbelly me rondaban la cabeza, en la que sobre todo resonaba la idea de lo influyente que ha sido el australiano para mucha gente. Nombres como los de PJ Harvey (cuya ruptura con ella inspiró el austero The Boatman’s Call), Low, Tindersticks, la parte menos fronteriza de Calexico, los The National más atmosféricos, Mark Laneghan en solitario… en todos ellos puedo escuchar la influencia del australiano y su banda claramente, al menos la de la versión que suena en este disco.

Así que, si nunca han escuchado antes a Nick Cave, pero sí a estos grupos, háganse un favor, y que este disco sea su puerta de entrada a una discografía casi bipolar en su separación entre ruido e intimidad, pero siempre intensa y pasional, y que se merece todos los elogios que ha recibido, y más. Push The Sky Away no es de las entradas más potentes de ella, y tampoco funciona, como en el caso de, por ejemplo, el nuevo disco de Nine Inch Nails, como un buen resumen de su carrera (no hay ni rastro del post-punk industrial de The Birthday Party, o del bluesero alucinógeno de los primeros discos con The Bad Seeds), pero además de ser uno de los discos más bonitos del año, es un ejercicio de clase, madurez y contención bien entendida, cosa que no muchos músicos con su edad y trayectoria pueden decir.


Mi nota: 8

Mis favoritas: Water's Edge, Jubilee Street, Mermaids



Daniel Díaz





Push The Sky Away




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EP-Burial:Rival Dealer



Hace algunos días salió al mercado un nuevo EP de Burial titulado Rival Dealer, un trabajo de tres canciones en el que el artista inglés sigue explorando su particular sonido, es decir, esa mezcla de sensualidad fantasmal, texturas infinitas bañadas en melancolía y esos ritmos trepidantes que aceleran el ritmo cardiaco. Un nuevo triunfo de la música urbana del futuro y de su principal artífice.



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Arcade Fire-Reflektor



Se pueden decir muchas cosas de Noel Gallagher, pero no que dé entrevistas aburridas. En la última que ha concedido para Rolling Stone hace dos semanas, además de cagarse en medio mundo indie, decía lo siguiente del disco que nos ocupa: “Cualquiera que vuelva con un doble disco necesita sacar un poco la cabeza de su propio culo. Ya no estamos en los 70s, ¿ok? ¿Quién tiene tiempo, en 2013, para sentarse ni siquiera a escuchar un disco de 45 minutos? ¿Cuan arrogantes son estos tipos para pensar que la gente tiene una hora y media entera libre para sentarse a escuchar su puto disco?”

Pero claro, no hablamos de cualquier grupo: hablamos de Arcade Fire. Los tipos más cercanos, tanto en ambición y épica como en ventas a U2 que han surgido en muchos años, más incluso que Coldplay. Los tipos que son casi diez en escena, pero que se les pueden escuchar a todos. Los que hicieron Funeral, obra de importancia capital en el pop para demasiada gente. Los mismos que, al final de la era de The Suburbs, debían de sentirse tan atrapados en su propio suburbio de pop épico e instrumentación indie-ostentosa como los personajes de las canciones de aquel disco. No es una situación nueva en el mundo de los grupos de pop con un éxito aplastante: los ejemplos más históricos cubren desde U2 hasta Talking Heads, pasando por el inventor de la reinvención cuando el camino parece agotado, David Bowie. De todo esto, y de los tres nombres mencionados, hay mucho en Reflektor, su cuarto disco, doble, excesivo (en arreglos, minutaje, canciones, experimentos…) y puede que muy arrogante, pero también apasionante y absolutamente necesario, tanto para ellos como para su legión de fans, les guste o no. Imprescindible para ellos porque, como se ha dicho antes, en The Suburbs se les notaba amordazados por su propia leyenda: aquella que les vio nacer en Montreal en 2001, sin mucha idea de qué hacer con un instrumento pero con muchas ganas de hacerlo lo mejor posible, que vio nacer su disco más celebrado por los fans de las cenizas dejadas por el dolor de la pérdida de varios familiares de miembros de la banda, la que siempre recuerda las curiosas influencias haitianas de parte de la familia de Régine Chassagne, y que casi siempre está regada por los arreglos de cuerda preciosistas de Sarah Neufeld y Owen Pallett, de los cuáles intentaban escapar en su tercer disco. Y también imprescindible para sus fans porque hará que no poca gente se interese por las nuevas y hasta ahora impensables influencias de este disco. Porque, en general, y como sucedía en el Low de David Bowie o en el Achtung Baby de U2, en Reflektor Arcade Fire juegan constantemente a sonar a todo menos a su propio pasado. Aunque al final, a lo que más recuerda este disco, por las pasadas credenciales indies del grupo, por el sonido que han adoptado, y por el productor que han escogido para tal cambio, es al giro que dio Talking Heads en Fear Of Music y Remain In Light.

Y el que el productor de este doble disco es James Murphy, y se nota. Seguidor a ultranza del lema “go big or go home”, se trae el manual de Talking Heads y Bowie que tan bien lleva aplicando estos últimos diez años en su música, y lanza al grupo a un mundo de funk, disco analógico y sucio, y a algunos de los experimentos más estrambóticos de su carrera. El más extraño y uno de los más notables es el dub distorsionado de Flashbulb Eyes, que contiene las trompetas más providenciales del año, las cuales casi consiguen tapar la letra más horrible de su carrera; pero también brillan, tanto por calidad como por novedosos, Normal Person, que si bien al principio parece una reescritura de Modern Man, explota en su rockero estribillo, muy pero que muy deudor del Bowie más berlinés; el delicioso break carnavalesco al comienzo y en medio de Here Comes The Night Time, y los aires glam rock de la demasiado pegadiza Joan Of Arc. Hemos hablado de carnaval, dub, disco y funk, y es que Reflektor es en su mayor parte un disco para disfrutar con los pies además de con los oídos, algo sobre todo palpable en los dos primeros adelantos que tuvimos del disco, las muy conocidas ya Reflektor y Afterlife, las cuáles son las más parecidas del disco al sonido neo-funk analógico (toma palabro absurdo) de James Murphy.

Eso sí, como sucedía en los discos históricos antes mencionados, la personalidad y el sonido característico del grupo termina saliendo de vez en cuando, y aquí lo hace sobre todo en la segunda mitad del disco, en la que se bajan de vez en cuando de la pista de baile. La más tranquila de todas, y la que más claramente sirve como asidero para sus fans tradicionales es Here Comes The Night Time II, una revisión orquestal y mucho más oscura de la canción antes mencionada, la cuál es seguida por uno de los dúos de temas más importantes temáticamente de un disco que habla sobre todo de sentirse atrapado. La primera, Awful Sound (Oh Eurydice) es una preciosa balada de percusiones sutiles y marciales y sintetizadores ensoñadores, mientras que la segunda, It’s Never Over (Oh Orpheus) es de las más funkys del disco, puede que más que Reflektor. Dos caras, una más tranquila y otra más bailable, de una misma historia: la leyenda griega de cómo Orfeo casi rescata a su amada Eurídice de las fauces del Infierno, sólo para perderla en el último momento, cuando él giró la cabeza demasiado pronto por la ansiedad de volver a verla.

Y con la mecánica y fría Porno (entiendo el sonido y la producción, pero es de las que menos me gustan del disco), la ya mencionada Afterlife y la evocadora Supersymmetry, la casi hora y media de Reflektor se cierra, larga e incluso indulgente, pero tan apasionante como los nombres implicados en ella hacían esperar. No es un disco perfecto, ni mucho menos: en cada tema hay momentos en los que desearías que no hubieran hecho ciertas cosas, y el concepto de mesura, autocrítica o control ni se le ve ni se le espera. Pero Arcade Fire podrían haber hecho un The Suburbs II y se hubieran forrado igualmente, y decidieron arriesgar, e incluso alienar a una buena parte de sus fans con un disco sucio, más bailable y a la vez más complejo y denso que cualquier otro en su discografía, un disco que necesita de varias escuchas para empezar a desvelar toda su sucia belleza, y que es probable que sus millones de fans no necesitaran, pero que todo el resto de oyentes sí, especialmente el propio grupo. Noel Gallagher puede tener razón, pero con un disco como este, puede que uno de los discos del año, merece la pena arrancarle esa hora y media a nuestra ajetreada vida de las mismísimas entrañas y escucharlo, sentado, o moviendo los pies como si no hubiera un mañana y las luces artificiales y las cámaras pudieran atrapar nuestra alma.


Mi nota: 8.5

Mis favoritas: Here Comes The Night Time, Joan Of Arc, Awful Sound (Oh Eurydice)


Daniel Díaz




Reflektor




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Haim-Days Are Gone


Dentro de la lista de debuts esperados de este año, el del trío californiano Haim estaba en los puestos más altos: los excelentes y extremadamente pegadizos adelantos Forever, Falling y The Wire mostraban a un grupo que hacía bastante más que un homenaje sentido al soft-rock setentero (antes vilipendiado y ahora justamente recordado y reivindicado), sino que construía canciones sinceras y fantásticas que, además de otras muchas influencias no precisamente ocultas, a veces sonaban a la mejor Stevie Nicks. Days Are Gone, su esperadismo primer disco, afortunadamente, está lejos de ser solamente una copia del Rumours de Fleetwood Mac, por ejemplo.

Como los tres singles antes mencionados ya mostraban, hay mucho de R and B noventero en su propuesta: TLC o En Vogue vienen rápido a la mente al escuchar temas como Days Are Gone, Send Me Down (bonus track de la edición deluxe) o la hipnótica My Song 5, el momento más mutante del disco, y que suena al Timbaland más minimalista que produjera un riff de guitarra que bien podria haber firmado el Trent Reznor más bluesero. Sin embargo, los dos momentos que más me emocionan del disco son precisamente dos de los menos eclécticos. El primero es la preciosa balada Honey And I, el momento más Fleetwood Mac del disco, y que es una de las canciones que mejor muestra la fuerza y destreza de la sección rítmica del grupo. El otro momento es el espectacular cierre del disco, Running If You Call My Name, una balada que habla sobre escapar a toda costa de algo, y que suena tan evocadora, épica y emocionante a todos los éxitos baladescos desgarrados de los ochenta, desde la Cyndi Lauper de Time After Time hasta el Phil Collins de In The Air Tonight, pasando por la Pat Benatar de We Belong, por citar tres ejemplos. Es una de las canciones del año, y dentro del disco es uno de los momentos que mejor muestran la fuerza y la riqueza de la voz de contralto de Danielle Haim.

Y con todo, lo mejor de Days Are Gone no son las influencias o la capacidad de evocar tiempos mejores para el pop comercial, a pesar de que se nota de que hay un trabajo bien hecho de estudiar influencias, arreglos y sonidos. Lo mejor de Days Are Gone es lo tremendamente sincero y de verdad que suena todo: no se atisban poses, ni bufandas en julio, ni gafas de sol a las doce de la noche, todo muy común en los discos que suenan a revival, sino que todo suena a tres chicas de unos veiniticinco años con una energía, pasión y sinceridad aplastantes, y que en todo momento parece que se estén dejando la piel en algunas de las mejores canciones de pop rock publicadas en años. Es algo que se puede corroborar en cualquier actuación que podáis ver suya: la energía y sinceridad que desprenden es contagiosa, y te hace botar aún más alto con los temas más movidos y dejarte la garganta coreando sus momentos más pausados. Y cuando la pasión y la sinceridad se juntan con la calidad, lo que queda es uno de los mejores debuts del año, a la altura de todo el hype que arrastraban ya. Y si de paso sirve para reivindicar a gente tan importante como Fleetwood Mac, Pat Benatar, Foreigner o Toto, pues aún mejor para todos.



Mi nota: 8.5

Mis favoritos: Falling, Honey & I, Running If You Call My Name



Daniel Díaz




Days Are Gone




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Oneohtrix Point Never-R Plus Seven


El nuevo álbum del proyecto de Daniel Lopatin, Oneohtrix Point Never, muestra un poco de todo lo que el norteamericano ha mostrado en sus diversos proyectos, aunque intentando ser lo menos complicado posible (a diferencia de como suelen ser sus trabajos). R Plus Seven es su nueva entrega, y es su primer disco para el sello WARP, algo así como la meca para quienes hacen música electrónica. Sin duda, la nueva entrega es menos abstracta y por el contrario más física, y en ella podemos percibir canciones con cierta luz, intensas, por momentos frías pero también etéreas (podemos escuchar voces robóticas simulando coros celestiales), con cierta críticidad con respecto a la sociedad moderna. El video (otro formato con el que Lopatin suele expresarse) de Still Life(Betamale) muestra el rostro transgresor del norteamericano, collage de imágenes y discurso en formato digital. Un tipo complejo este Lopatin, aunque al mismo tiempo uno de los creadores más interesantes del último lustro.

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Tim Hecker-Virgins


Grabado en Seattle, Montreal y Reykjavik, Virgins es la continuación de ese gran álbum llamado Ravedeath, 1972, trabajo que le permitió a Tim Hecker lucir todos sus argumentos como músico y aparecer en todas las publicaciones musicales a pesar de que su trabajo no era precisamente comercial. En Virgins, Hecker es acompañado por varios músicos, con quienes obtiene una serie de texturas que le ayudan a expresar diversos sentimientos, los que están rodeados por un aura mística, casi religiosa. Hecker se basa, para este álbum, en la repetición como factor envolvente, el minimalismo para llegar directamente hacia la sensación buscada, los silencios, la distorsión borrosa que otorga a las canciones esa característica espectral, y la luminosidad que otorga el piano y las cuerdas, contrapuntos a la textura opaca que reina en el disco. El otro día leí que Hecker graba todo tipo de sonidos, y los va trabajando uno a uno a través del ordenador hasta que encuentra los detalles sonoros deseados. Virgins es un álbum que vuelve a mostrar el talento de Hecker y su infatigable búsqueda por expresar sensaciones que van más allá de lo que todos conocemos.


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The Field-Cupid's Head



Cupid's Head es el cuarto álbum que Axel Willner lanza al mercado como The Field en el que si bien muestra las mismas virtudes de sus tres álbumes anteriores algo cambia en la esencia. Aunque todo se organiza en torno a un loop que se repite y da identidad a las canciones (y al álbum en general), el ambiente es más oscuro que en sus trabajos previos, existe cierta pesadez, un poco de hostilidad, a diferencia de sus otras tres entregas en las que siempre primaba el color, la luz y, claro, el ritmo. Otra de las diferencias que apreciamos en Cupid's Head es que Wilner regresa a las programaciones dejando de lado el paulatino"enrockecimiento" de su propuesta, ya que parece abandonar la pretensión de hacer física su música y más bien parece querer volver a lo liquido de las texturas, al loop que se expande uniformemente a lo largo de las canciones, y a esos detalles que le dan vida y sensualidad a ese panorama matemático y rígido. El cambio en la esencia de su música se puede apreciar desde la portada del álbum, el que cambia de color (siempre mantenía el mismo diseño con ligeras variaciones en el color y en el tipo de letras) aunque manteniendo cierta uniformidad con las anteriores portadas, como queriéndonos decir que el alma ahora es oscura aunque los elementos a usar son los mismos. Recuerdo que hace un tiempo fui a un show que The Field hizo en el Ekko holandés, y cuando terminó el mismo, estando yo borracho, me crucé con él en el bar del local y le di la mano y le dije "eres el mejor". El nórdico me miró asustado porque creería que estaba frente a un talibán y sus horas estaban contadas. Lo cierto es que estamos ante uno de los más innovadores creadores de la electrónica actual, alguien que es capaz de hacer de la repetición algo diferente.

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